中国画历来讲究传承（当然其他文化都要有传承），传承即继承传统。愚以为中国画的传承，一是工具的传承；二是技法的传承；三是师门的传承；四是民间自学、即草根的传承。
中国画讲书画同源，远古没纸笔墨砚文房四宝，人们在石板、龟甲、钟鼎、画像砖上刻铸字画、鸟兽、鱼虫、花草、人物、山水图案，那应是远古时代的中国书画，那时的工具是刀、石、骨、龟甲、青铜器或墓室的画像砖等。到了春秋战国，秦汉之时，则有了笔墨、竹简、绫绢可作书画。西汉蔡伦总结和丰富了造纸术，而宣纸据《历代名画记》、《新唐书》记载起于唐代安徽泾县、宣城等地，唐以后则中国画的工具就较完备，即具备了笔墨纸（宣纸或绫绢）砚的文房四宝了，一直延续到近现代。
中国画技法传承，指的主要是有文房四宝后的技法，我们历来讲书画同源，这主要是点线的结合，古代中国画主要是以线为主，点辅之再发展到点线面的结合，有了线的勾勒皴擦点染，慢慢有了墨韵的浓淡丰富变化。而谢赫六法则有气韵生动、骨法用笔，应物写形，随类赋彩，经营位置、传移模写，这就包括了构图（经营位置）、造型（应物写形）、写生（传移模写）、笔法（骨法用笔）、染色（随类赋彩）、神韵（气韵生动）。在当时谢赫六法是对中国画的极大发展和创新。以后中国画家在不断的继承发展中，提出了十八描的人物技法、高远、深远、平远的透视法以及散点透视法，提出能品、妙品、神品、逸品之说，所以说中国画在历代技法传承中就在不断地发展和创新。技法的传承和发展主要经过两个途径，一个是拜师学艺，直接登堂入室听老师面授，另一个是自学成才，自找技法书籍临摹，研读历代名家。先谈谈拜师学艺，中国古代没有美术学院，学习书画更应是上门请教，或叫入室弟子，有权势钱财人家也可聘老师到家中上课，或亲友相传，父子相承。到了近现代，当代则有了各类艺术学校、美术学院，通过考试入学，由讲师教授，导师授课。不少画院，艺术研究机构、文化单位、甚至书画家个人都办起了各种长期短期培训班进行讲学，授课，这些主要是学院派了。还有一些没有条件或机会直接登堂拜师，或入美术院校学习的学子，但他们非常痴迷书画，有极强的悟性或这方面天赋，在艺术上有志向、有理念、有追求，则会克服种种困难、不怕挫折、冷遇，坚韧不拔地临摹，研读古典文学、诗文、美学、哲学来丰富提高自已、这些人应算民间或草根艺术家，不受门派影响，广收并蓄，经过长年积累，大器晚成者有之，卓然成家者有之，古今亦不鲜见。
有人认为，传承就是要拜师学艺，就要对某某大师某某流派有传承，要像某某大师或流派，有其风格或个性则是传承。其实大师们的作品是他们在研究、实践、写生、创作中的成果，其作品虽有风格有个性，但终是书画艺术大河中的流水、波涛、浪花，而不是艺术的本源。而艺术真正的源头应是火热的社会生活，随时发生的大小历史事件或动人故事，是自然，造化、是名山、大川、世界万象。如只象某位大师，有他的影子，只是浅薄形似而已。苏东坡言“论画求形似，见与小儿邻”，齐白石言“学我者生，象我者死”，故传承的关键是要发展，要创新，要超越，前朝大师是不可替代的，但不是不可超越的，如果一味地认为传承就是要象前人，摹芥子园，临董源、巨然、黄公望而不敢越雷池半步、只会东抄西搬，那还有中国画的今天吗？姚治华教授认为“艺术家首先把握住到大自然中寻找灵感”，寻找艺术本源，从大自然中领会真谛，在生活中吸取营养。中国画讲究天人合一，就是画家和自然要融为一体。一个力求改革创新的中国画家，一定是在传承了古今中外名家技法，或研究推敲之后，融百家之法为已法，得无法之法为至法，走千山，涉万水，拜大自然为师，胸有古今中外，腹藏万水千山，则创作下笔如有神，新作如滔滔江水源源不断，气韵似云海翻腾，雷霆轰鸣，或驾雨乘风、神龙难见首尾，岂闭门造车，抄搬古人名师之辈能与之同语也。当然，艺术的创新要历尽坎坷，甚至是痛苦的磨练，往往要几十年的历练，甚至是一辈子，象黄秋园耕耘一辈子，到死画稿飘零、穷愁潦倒，连个省美协会员都被拒之门外。正如杜荀鹤诗曰：“自小刺头深草里，而今渐觉出蓬篙，时人不识凌云木，直待凌云始道高”。故艺术大家，院校科班可出，民间也可出，正如吴冠中陈丹青言：真正的艺术家在民间。古今中外不乏其例，凡高、齐白石、黄永玉、黄秋园莫不如是，且他们都是具有传承发展和创新的艺术家”。
中国画的发展、创新，离不开思想观念的发展和创新，即画外功的修养，不然你只能是个懂点技法的画匠。中国画是中国的国粹，必须要有中国历史文化的底蕴，离不开中国古典文化的滋润，哲学的、美学的、文学诗词的等等画外功的修养。一副好画，哪怕是小品，题上几行高雅的款式或一首小诗，则诗书画合一。郑板桥所以能成为扬州八怪之首屈一指者，卓然而成大家，就因其离经叛道，自成一格，发展创新，其独具一格的书法，神彩飞扬，高风亮节爱民疾世的题画诗，让其作品传扬千秋：“未出土时先有节，到凌云处亦虚心”“衙斋卧听潇潇竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情”，没有这些传咏千秋的诗句，光靠其画的竹石兰花，就没有这么久负盛名的郑板桥。齐白石只跟着外祖父读了一年私塾，来自民间一个雕花木匠，但他一生勤劳不辍，其不少题画诗，让其作品意境在平淡中求高远，使内含外延大大拓展，这种诗书画印合一，让其成为一位来自民间的，但却是震古烁今的一代大师。其题不倒翁：“能供儿戏此翁乖，打倒休扶快起来。头上齐眉纱帽黑，虽无肝胆有官阶”。题画梅：“兴来磨就三升墨，写得梅花倾刻开。骨格纵然清瘦甚,品高终不染尘埃。”齐白石自评：诗第一、印第二、书第三、画第四。这说明中国画家在传承、发展、创新中，画外功的份量。
中国画的发展与创新，应在古为今用基础上发展，洋为中用的交流中创新。任何绘画造型艺术门类，都会因工具、材质不同，表现技法的差异，产生各自不同的表现效果的长处和短处。中国画丰富的水墨表现力，色墨同辉的效果是油画、水粉、水彩、版画等无法比拟的，但也有其因材质、工具表观的局限性。因此。在绘画理论、技法上，甚至材质上也可吸收借鉴西画的成功经验，如西方绘画的素描，透视理论、光色变化技法，是值得中国画参考学习的。丰富的油画，水粉、水彩、粉彩、炳烯画的表现方法。都可给中国画借鉴和利用。甚至以西画的表现方法来表现中国画，张大千、刘海粟晚年的泼墨泼彩，黄永玉用深兰或紫色作背景画的大笔挥写的荷花，不都是为人们所接受和称道吗。古代有人将神仙、佛教、飞天等人物画画在墙壁上、寺庙中，今天也有人直接将国画画在木板上，其实这都是可以为发展和创新做些尝试的。
有一些书画家既无深厚传统功力，又无创新理念，更不愿到火热生活中去采风写生，不愿到名山大川中去体验积累，却闭门造车地搞出一些大丑即大美，丑极即美极的所谓作品，把这些垃圾艺术谓之“丑极”即“美极”。这恰如一丑妇，眼邪鼻歪、唇裂、头顶生疮脚底流脓,能说这种极丑恶就是极美妙吗？能说这也是发展和创新吗？有书评“七谈中国书法界的乱象”的批判文章，如匕首投枪直刺这种书法乱象，美术界、国画界也应该批批这种乱象。这只是一种为虚名、为利益驱使的卑劣丑恶的阴暗文化，与中国书画的文明传承、创新发展格格不入。
当前，我们国家很重视文化的传承发展和创新，当然也包括中国画的传承发展和创新。让我们回头再读读毛泽东在延安文艺座谈会上的讲话，让我们的书画艺术家回到火热的生活中去，深入到人民群众中去，回到祖国大好河山中去，吸取营养，才能让中国画健康地传承发展和创新，才能创作出感动艺术家自已，也感动别人，感动时代的，为人民喜闻乐见的好作品。
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